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LA ODISEA DE AQUELLAS VIDAS habla de la inmigración. Hablamos de aquellas personas que han iniciado su camino desesperado de migración en busca de una mejor vida.
Hablamos en concreto, y como escena que nutre todo el texto y toda la poética del relato, de las personas migrantes que tienen que pasar por el desierto de Túnez. Hablamos del drama de Fati y Marie, una madre y una hija que murieron cruzando el desierto de Túnez buscando una vida mejor. Madre e hija de 30 y 6 años respectivamente. Su muerte le pone nombre al infierno que están viviendo centenares de migrantes lanzados por el ejército de Túnez a este terrible desierto fronterizo con Libia, donde, con temperaturas de 50 grados, es imposible sobrevivir sin refugio, comida y sin agua.
La obra recorre el cuerpo de la mujer y la hija, y este recorrido nos lleva a otros miles de cuerpos que deambulan por diferentes caminos desahuciados, perdidos y desolados. Le ponemos voz, canto, llanto y aliento a una mujer y a miles de mujeres que sufren porque hay otros que lo permiten”.
Creación y dirección: Jacobo Pallarés
Textos: Iria Márquez, Carla Zúñiga Morales, Ignacio Tamagno y Jacobo Pallarés
Reparto: Lucía Poveda, Juan Andrés González y Arantxa Cortés
Espacio escénico: Los Reyes del Mambo
Diseño de Iluminación: Diego Sánchez
Espacio sonoro: Vicky Trillo
Vestuario: Esther Pedrós, Nuria Albelda
Producción ejecutiva: Esther Pedrós, Marta Rubio
Producción en gira: Nuria Albelda
Equipo producción: Andrea de la Fuente, Alba Pérez
Un equipo de jueces, abogados, fiscales, secretarios judiciales, forenses y psicólogos, “reclutados” en sus respectivos colegios profesionales, se prestan a juzgar a Hamlet, acusado de la muerte de Polonio. Please, continue (Hamlet) es un juicio penal que se desarrolla en un juzgado y se inscribe en la tradición de los mock trials, juicios que se practican a modo de ejercicio.
Los únicos roles interpretados por actores son el de Hamlet, acusado, su madre Gertrudis y la hija de la víctima, Ofelia.
Como no podía ser de otra manera, cada noche el equipo que proviene de la judicatura es diferente.
Concepto/dirección: Roger Bernat, Yan Duyvendak
Dirección técnica: Txalo Toloza
Producción ejecutiva: Helena Febrés.
Diseño gráfico: Marie-Klara Gonzalez y Nicolas Robel B.ü.L.b Grafix.
Producción y management: Nataly Sugnaux Hernandez.
Técnica: Gaël Grivet
Producción: Dreams Come True (Genève).
Coproducción: Le Phénix scène nationale (Valenciennes); Huis a/d Werf (Utrecht); Théâtre du GRÜ (Genève).
Tomando como tema central la figura del parricidio, el dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco escribió Tebas Land, pieza inspirada en el legendario mito de Edipo, en la vida del santo europeo del siglo IV San Martín y en un expediente jurídico creado e imaginado por el propio Blanco en el cual se narra el juicio de un joven parricida llamado Martín Santos.
A partir entonces de los distintos encuentros que mantienen en una cancha de básquetbol de una prisión, este joven parricida y un dramaturgo que busca poder escribir la historia de dicho parricidio, Tebas Land irá poco a poco preocupándose no tanto de la reconstrucción del crimen, sino de la representación escénica de los encuentros entre ambos personajes. La obra se aleja de la dimensión ética del parricidio para concentrarse en las posibilidades estéticas de su representación y poder ofrecernos una tesis sobre el acontecer teatral.
Texto: Sergio Blanco
Reparto: Gerardo Otero, Lautaro Perotti
Escenografía: Gonzalo Cordoba Estevez
Iluminación: Ricardo Sica
Asistencia de dirección: María García De Oteyza
Producción: Maxime Seugé, Jonathan Zak
Dirección: Corina Fiorillo
Ana Rossi es cantante y reciente compositora. Después de años de participar en diversos proyectos, presenta su primer disco de composiciones propias (Una casa, Whataboutmusic 2023) en un directo donde la música y la palabra son protagonistas, y es en la comunicación con el público y con la frescura del momento donde se expanden. Canciones con perfumes de latinoamérica, perlas populares de aquí y de allí sonarán en consonancia con sus propias creaciones.
Jesús Mañeru es músico, percusionista intuitivo, preciso y sensible, nacido en Estella (Navarra). Formado como músico y técnico de sonido en Barcelona, allí se sumerge en la escena musical donde conoce diferentes estilos como el flamenco, jazz, world music. Su curiosidad y relación con otros músicos le llevan a ampliar su abanico de estilos, folclore latinoamericano, hip hop, canción de autor, música clásica, desarrollando así una manera muy personal de hacer música.
Dirección y dramaturgia: Lucia Trentini
Reparto: Lucia Trentini y Gloria Albalete
Desarrollo del espacio escénico e iluminación: Bibiana Cabral
Diseño gráfico: Raquel Escobar
Cinco mujeres de distintos lugares del Perú. Cinco mujeres que no son actrices. Cinco mujeres que deciden preparar una obra de teatro sobre un crimen ocurrido en los años noventa. Ellas fueron esterilizadas contra su voluntad y por años se han sentido relegadas por sus parejas, por sus comunidades, por el Estado. Un documental en proceso sobre cómo cinco mujeres reescriben su memoria mientras la cámara graba.
Reparto: María Elena Carbajal, Gloria Basilio,
Nancy Sánchez, Rosa Loarte, Gloria Ricapa
Dirección: Liliana Albornoz y Fernando Vílchez
Producción: Anaísa Pereira y Fernando Vílchez
Director de fotografía Omar Quesada
Diseño Sonoro: Paula Chávez
Montaje: Ángela Delgado y Fernando Vílchez
Una producción de Bergman was right Films, Perú
Director :Fernando Vílchez Rodríguez
Un dramaturgo y director argentino acepta una invitación a estrenar su próximo trabajo en un festival en Brasil. Pero esa obra en realidad no existe. No hay banda propone revisar el proceso de escritura y montaje de una obra preguntándose sobre los límites de la existencia y la representación.
En esta obra, Flores Cárdenas se propone investigar sobre el punto cero del fenómeno teatral: el propio cuerpo. El mismo que tecleaba y respiraba desde las sombras va a salir a escena, por primera vez. ¿Pero estar en escena es actuar? ¿Dónde empieza la ficción? ¿Dónde termina? No hay banda deconstruye una obra al mismo tiempo que construye otra, una en la que un dramaturgo pone a prueba la materialidad de su cuerpo, actor principal de toda utopía.
Dirección y dramaturgia: Martín Flores Cárdenas
Protagonizado por Martín Flores Cárdenas
Diseño de espacio: Ruslan Alastair Silva
Diseño sonoro: Ramiro Vergara
Música: Martín Flores Cárdenas, Fernando Tur
Sonido: Ramiro Vergara
Operación técnica: Gregory Bohnenblust, Daniela Korovsky, Jan Raga, Pablo Ragoni
Diseño De Iluminación: Matías Sendón
Fotografía: Nora Lezano, Lucía Tomas
Colaboración en vestuario: Lara Sol Gaudini
Prensa: Carolina Alfonso
Producción Audiovisual: Pablo Camaiti
Producción: Valeria Casielles
Colaboración En Textos: Santiago Loz
Versión libre de La gaviota, de Antón Chéjov, dirigida por Guillermo Cacace.
En La Gaviota, la vida se asemeja al escenario abandonado y carcomido de la obra de teatro a la vera de un lago, con el viento agitando el telón a la intemperie que suena como el llanto del derrotado. Masha intenta armar los retazos de esta historia de amores que no se corresponden, de sueños que se rompen al cumplirse y del dolor que se acumula con los años.
¿Qué es lo esencial de esta obra mítica? ¿Qué nos puede decir hoy La gaviota? ¿Cómo la deconstruímos y volvemos a construirla? ¿Cómo se construye la dramaturgia con actrices interpretando todos los roles, qué impacto tiene eso en los diálogos y la poética? Esta versión de La Gaviota se propone lo imposible de alcanzar lo sublime del original desde un susurro, capturando lo esencial y todo lo que no puede ser dicho en las palabras, pero que está ahí, en la superficie.
Dirección: Guillermo Cacace
Producción: Romina Chepe
Asistencia de dirección: Alejandro Guerscovich
Dramaturgia: Juan Ignacio Fernández
Reparto: Paula Fernandez Mbarak, Pilar Boyle, Marcela Guerty, Clarisa Korovsky, Romina Padoan, Muriel Sago
El espectador viajará a través de un recorrido experiencial, por distintos estadios espaciales con instalaciones que nos sumergen en la realidad de la prostitución. La pieza parte de una investigación amplia, profunda y diversa, que toma como pilar principal, y con la que cobra un carácter documental.
Inmersiva con dispositivos interactivos formados por elementos gráficos, sonoros y visuales que conviven con tres performers que habitan el espacio.
MAMI, un concepto que apela a una emoción universal, una referencia al cariño, a la mujer, a la migración, al cuidado, pero en este caso… solo para adultos.
Buscamos una repercusión cualitativa, un impacto profundo y visceral que visibilice la realidad oculta de la prostitución en toda su amplitud y que se aleje del marco artístico convencional para suscitar el interés de la sociedad más alejada del mundo cultural.
Instalación inmersiva con base documental y performance.
Performers: Miguel Carrera, Maya Salaverria
Creación y dirección: Miguel Carrera, Maya Salaverria
Vídeo: Silvia Arbella
Ayudante proceso documental: Macarena Calvo
Montaje: Luca Ramonda
Ayudante de producción: Idoia Salguero
Nº7, Entreplanta
Miércoles 09 de Octubre
De 19:00h a 21:00h
Viernes 11 de Octubre
De 19:00h a 21:00h
Dirección y dramaturgia: Lucia Trentini
Reparto: Lucia Trentini y Gloria Albalete
Desarrollo del espacio escénico e iluminación: Bibiana Cabral
Diseño gráfico: Raquel Escobar
Museo de La Rioja
C/San Agustín Nº23
Sábado 12 de Octubre a las 12:00
Es el cumpleaños de Elektra y es sabido que no será un día feliz. Elektra cumple 37 años y aún no visualiza su independencia, toda una tragedia.
Nuestra anti-heroína, sumida en la precariedad, se ve obligada a convivir con su madre en un apartamento céntrico, donde vive el luto y se lamenta por la muerte de su padre mientras espera la llegada de Orestes, para vengarse.
En la cocina, mientras preparan un pastel, Elektra fracasa constantemente en el intento de asesinar a su madre, como lo impone el mito y fantasea hundida en la depresión con su propia muerte.
La cocina donde se desarrolla la tragedia, donde los personajes salen y entran desdoblándose
en las propias actrices que cuestionan incluso las palabras de la autora, es también el instrumento para llevar adelante esta opereta, y una burla irónica al lugar que se le ha adjudicado a la mujer a lo largo de la historia.
El paso del tiempo es una tragedia, denuncian las mujeres, sobre y fuera del escenario. El paso del tiempo, la muerte de la juventud, la visualización de una vejez pobre y solitaria, la renuncia a la maternidad y la pérdida de la fertilidad, son una constante en las discusiones de madre e hija, que se estructuran en un combate de 10 asaltos con su prólogo y apoteosis.
Dirección y dramaturgia: Lucia Trentini
Reparto: Lucia Trentini y Gloria Albalete
Desarrollo del espacio escénico e iluminación: Bibiana Cabral
Diseño gráfico: Raquel Escobar
