Si hubiese una montaña de piedras por cada mujer violada se extinguirían los campos. Si cada mujer abusada se inmolase, ¿Quién traería a vuestros hijos al mundo?
Zorra dorada es un ritual para exorcizar el abuso de mi cuerpo que será el cuerpo de todas nosotras. Este grito nace como influencia de Noa Pothoven. Víctima de abusos sexuales y violación, murió por inanición voluntaria en el salón de su casa de Arnhem (Países Bajos) rodeada de su familia. Fue el domingo 2 de junio de 2019. Tenía 17 años. Su historia para ficcionar la propia. Una pieza como ejercicio para repensar la vida y dignificar la muerte. Así pues, este será un poema sobre el abuso y la rabia como motor de cambio.
Autoría, dirección y performer: Elisa Forcano
Asistencia a la dirección artística: Leonora Lax
Diseño de iluminación: Pilar Valdelvira -AAI-
Diseño de sonido: Benigno Moreno
Plástica Escénica: Guillermo Felipe y Leonora Lax
Creación audiovisual: Víctor Izquierdo
Música original e interpretación: Pilar Almalé, Iván Cózar y Benigno Moreno
Coreografía: Elisa Forcano
Asesoría de movimiento: Dario Sigco
Voz en off: Carmen Martínez-Raposo Caro
Fotografía Producción: Ana Pizarro (estudio), Víctor Izquierdo (escénica)
Prensa: Amanda H C – Proyecto Duas
Distribución: Iñaki Díez y Raquel Jiménez – SIT AND SEE
Estudios para un ecce homo es un proyecto de colaboración entre el coreógrafo y bailarín mexicano Shantí Vera y el autor y director español Fernando Renjifo. El proyecto viene de un largo deseo previo de colaborar juntos y tiene como objeto la investigación artística y la realización de una pieza a partir de las prácticas y de los universos creativos y poéticos de ambos.
El ser humano ante la inmensidad del universo, ante el mundo, ante los otros, ante su propia inquietud moral y ante la conciencia de su finitud. Un tiempo de contemplación para un cuerpo que se reconoce en la extrañeza de saberse arrojado al mundo. Un cuerpo presente que mira, que busca, que aprende, que insiste, que decide, que renuncia. Un cuerpo pensante, deseante, imaginante. Desde la palabra y la corporalidad, Shantí Vera y Fernando Renjifo construyen una especie de poema escénico que podría ser un manifiesto, un paisaje, una celebración.
Creación, coreografía y en escena: Shantí Vera
Creación, texto y dirección: Fernando Renjifo
Iluminación: Fernando Renjifo / Jésica Elizondo
Colaboración artística y técnica: Alberto Núñez
Composición sonora original: Alberto Trabajos
Coproducción: Box Levante – Centro escénico del Estrecho (Algeciras), Festival
Citemor (Portugal) y Cuatro x Cuatro* (México)
En Elektrical Body queremos traducir al movimiento la belleza de la fuerza electromagnética. Nos inspiramos en los principios físicos de esta fuerza para hacer un recorrido a través de la danza: desde el choque de partículas de los diagramas de Feynman, pasando por la búsqueda física de los circuitos electromagnéticos del cuerpo, hasta las composiciones de las aves migratorias que se guían por los campos magnéticos del planeta.
Dínamo es una compañía de danza y artes del movimiento que nace como plataforma de investigación e intercambio entre diversos lenguajes artísticos con el fin de crear poesía a través del cuerpo en movimiento. Queremos generar un diálogo, en el que cada integrante aporta desde su experiencia en pos del trabajo común.
Nació en 2013 con sede en Pamplona y, desde entonces, hemos creado propuestas en diversos formatos que se han presentado en festivales nacionales e internacionales.
En 2020, junto a Joaquín Sevilla, físico y divulgador científico, se abre una línea de investigación que pone en diálogo ciencia y arte.
A partir de fundamentos científicos y práctica artística, el reto es construir la percepción del cuerpo como una entidad energética.
Dirección artística: Carmen Larraz
Acompañamiento de dirección y documentación: Bertha Bermúdez.
Creación coreográfica: Carmen Larraz en colaboración con los bailarines.
Interpretación y creación: Alvaro Copado, Kenji Shinohé, Martín Los Arcos, Stefano Mattiello, Lorenzo Avolio, Polina Tiabut, y Carmen Larraz.
Creación e interpretación musical: Hilario Rodeiro.
Creación escénica: David Bernués con la Divulgación científica: Joaquín Sevilla.
Vestuario: Saioa Matxain.
Producción: Dinamo Danza.
Dysphoria (estado de ánimo opuesto a la euforia) es un monólogo de ficción documental que recorre con delicadeza el vacío legal, la preocupación social y el sufrimiento que estos casos y sus particularidades generan a sus protagonistas; un grito, un tour de force necesario en una sociedad en la que los vacíos legales de la reciente Ley Trans demandan nuevas soluciones urgentes.
Ella está en shock. Su hija de dieciséis años acaba de confesarle que no es una chica; sino que es un chico. Ya no será más Alejandra, será quien realmente es: Alex. La terapia, los grupos de sensibilización, nada es suficiente para aceptar el hecho de que su hija ya no será más su hija y la negación, la resistencia y la frustración se abren paso desde el dolor que provoca el cambio. Sin embargo, todo gira cuando la policía llega a casa acusando a Alex de abuso sexual.
Este hecho inesperado empuja a nuestra protagonista a emprender una frenética carrera para intentar comprender a su hijo y protegerle frente a todo aquello que quiere arrinconarle, destruirle y robarle su identidad y sus derechos como ser humano.
Dramaturgia y dirección: María Goiricelaya
Actriz: Gema Matarranz
Ayudante de dirección: Ane Picaza
Diseño y construcción de escenografía: Álvaro Gómez Candela y Giacomo Ciucci Gómez
Diseño de iluminación: Juan Felipe «Tomatierra»
Espacio sonoro: Ibon Aguirre
Música original: Ibon Belandia
Dirección de producción: Histrión Teatro
Distribución: Nines Carrascal y Rocio Pindado (Portal 71)
Comunicación y diseño gráfico: Divina Palabra
Fotografías: Palen
Técnicos en gira: Juan Felipe «Tomatierra» y Monza
Producción ejecutiva: Nines Carrascal y Sonia Espinosa
Colabora: Portal 71
Espacios en residencia: Azkuna Teatroa Bilbao; Centro Cultural Medina Elvira (Atarfe); Teatro Mira de Amezcua (Guadix); Centro Cultural Fernando de los Ríos (Albolote)
Agradecimientos: Fernando Pérez-Serrabona; “La Librería” de Cabañas de Polendos; Centro Cultural Pinillos de Polendos
Euforia y desazón surge del trabajo de un equipo medio español y medio argentino, que ha establecido un puente entre la creación independiente barcelonesa y la creación independiente bonaerense.
Estamos en un espacio atravesado por el cruce: un instituto de bachillerato venido a menos para adultos repetidores, donde se imparte un poco de cada materia y nada en profundidad, es invadido por elementos de un taller de neumáticos.
Conviven ficheros y mesas de examen con ruedas usadas y una bañera llena de agua sucia para encontrar pinchazos. Se siente en el aire el pegamento para poner parches a ruedas que ya no resisten. Un baño roto por una promesa de reforma. Taladros que interfieren el clima evaluatorio. Desaprobar y permanecer ahí.
Dirección y dramaturgia: Sergio Boris
Asistente de dirección y dramaturgia: Carolina André
Intérpretes: Eric Balbàs, Maria Hernández Giralt, Sebastián Mogordoy, Cristina Mariño, David Teixidó
Escenografía y vestuario: Gabriela Aurora Fernández
Ayudante de escenografía y adaptación escenográfica: Albert Ventura
Iluminación: Albert Ventura
Construcción: Albert Ventura y Enric Naudi
Música: Fer Tur
Fotografía de escena: Marc Sirisi, Itsaso Arizkuren Astrain
Producción: Biel Martínez
Distribución: Biel Martínez
Jefe técnico: Rupek
Coproducción: Cassandra Projectes Artístics, El Eje, Silencio de Negras y Temporada Alta
Con el apoyo de Iberescena, Osic, Icec, Ramon Llull, Ajuntament de Barcelona, Nau Ivanow y Qars Teatre
Agradecimientos: Nau Côclea, Automecànica Gil, IES La Bisbal, Inés Garí, Jorge Karp, Mercè Giralt, Ignasi Hernández, Rosa Alvarez, Ester Callado, Teatre Nacional de Catalunya, Joan Cesena, Cristina Orriols, Sara Secall y Núria Hernández
«Las almejas comienzan sin tener conciencia de que viven en un sistema que las oprime, poco a poco irán descubriendo que otra forma de vida es posible, que, juntas, podemos generar fugas en la ‘Gran Norma’. Y que la posibilidad de deseo aparece entre nuestros cuerpos».
Las almejas que hablan nace del acto de necesitar reivindicar el profundo anhelo de querer vivir nuestros cuerpos sin crueldad. Carmen Rojas y Karelis Zambrano proponen la investigación desde un cuerpo que necesita reivindicarse, donde el principal motor de movimiento es la parte que más violencias materiales y simbólicas ha sufrido: “el coño”. Como lugar de investigación, de discursivización y de representación, entendiendo que «coño» es simbólico y bajo él hay muchos tipos de genitales diferentes. Su investigación propone una revisión de la instaurada heteronorma en materia de sexo, género y filiación. Un tono irónico envuelve la pieza, juegan con canciones populares y abren fugas utópicas que permitirán imaginar otros horizontes posibles fuera de la ‘Gran Norma’.
Dirección e interpretación: Carmen Rojas y Karelis Zambrano
Dramaturgia: Carmen Rojas
Diseño de iluminación: Alba Celma e Irene Herráez
Diseño de vestuario: Sara Chahed
Sonido: Paula Robles y Carmen Rojas
Visuals/proyecciones: Lucia Marín y Carmen Rojas
Asesoría conceptual y coreográfica: Sara Torres y Carina Martín
Colapso es una pieza escénica de teatro comunitario y creación colectiva dirigida por Juan Ayala y Miguel Oyarzun. Este trabajo cierra, además, el ciclo Trilogía de juventud: un proyecto de investigación escénica con jóvenes de entre 11 y 19 años para generar colectivamente un retrato generacional. Las otras dos piezas de esta trilogía, SELFI (2022) y CAPITAL (2023), producidas y presentadas en el Museo Reina Sofía de Madrid, exploran, respectivamente, las relaciones de la juventud con la tecnología y la economía.
Concebida como una conversación sobre la crisis ecológica, COLAPSO aborda los límites del crecimiento material y económico, la idea de progreso y la relación de la juventud con el planeta y su porvenir. ¿Qué se puede hacer ante la posibilidad del fin del mundo cuando tienes dieciséis años? La adolescencia se asocia a menudo con la irracionalidad y el exceso, pero, en esta crisis ecosocial, ¿quiénes son los que se exceden?
La humanidad parece incapaz de aceptar los límites de nuestro planeta que se vuelve cada vez más inhabitable. En 1972 se publicó el informe Los límites del crecimiento, en el que colaboraron diecisiete investigadores liderados por la científica ambiental Donella Meadows. La conclusión del texto fue clara: las dinámicas de crecimiento exponencial de población y producto per cápita, propias del capitalismo surgido de la Revolución Industrial, no son sostenibles y solo pueden conducir al desastre. Hoy, cincuenta y dos años después, la presión sobre los ecosistemas se ha multiplicado y vivimos a un ritmo que hipoteca el futuro de las próximas generaciones. Sin embargo, nadie quiere parar la fiesta. En palabras del filósofo Paul B. Preciado, “nos gusta vivir así: somos adictos al consumo de capital muerto y extraemos placer de este proceso de fabricación de muerte”.
¿En qué momento la humanidad dejó de considerarse parte de la naturaleza? ¿Qué papel puede jugar la juventud para afrontar la crisis ecosocial? COLAPSO invita a reflexionar colectivamente en torno a estas preguntas que nos implican a tod+s.
Concepto, dirección y dramaturgia: Juan Ayala y Miguel Oyarzun
Movimiento: Luz Arcas
Fotografías y vídeo: Lucasz Michalak / @estudioperplejo
Captación y ayudantía: Iratxe Arrizabalo y Eugeni Mataix
Producción y distribución: Elena Martínez
Un proyecto coproducido por Museo Reina Sofía
Actuación subvencionada por el Ministerio de Cultura en 2025 y 2026
Avenida de la Paz Nº11
Jueves 08 de octubre a las 20:00h
El proyecto Monarca: Memoria Sonora del Exilio es una iniciativa colectiva de COPAL, concebida como un acto de creación y resistencia. Con el sello distintivo de esta asociación cultural radicada en Costa Rica y compuesta por varios artistas latinoamericanos migrantes, este álbum es profundamente simbólico: reúne voces que han vivido el desplazamiento forzado, para convertirlo en arte que educa, conmueve y visibiliza.
Mientras el álbum musical da voz a la memoria sonora del exilio, el documental Monarca amplía el registro hacia lo audiovisual, dando rostro, mirada y narrativa al desplazamiento forzado, a la reconstrucción de identidades y a la resiliencia de las personas migrantes, en este caso, desde la perspectiva de los artistas.
El documental surge como extensión natural del álbum: si la música permite escuchar, el audiovisual permite ver, reflexionar y conectar. A través de entrevistas, escenas de grabación, testimonios de artistas migrantes y recursos de archivo, el filme pone en imágenes la travesía del exilio, el proceso creativo, la vida en acogida, y el deseo de volver.
El documental retrata la diáspora desencadenada por la crisis de Nicaragua 2018 y subsiguientes, y las condiciones de exilio en Costa Rica: legalidad, precariedad, comunidad, arte y colaboración. También aborda la transformación creativa: cómo migrar implica reinventarse, pero sin abandonar raíces, cómo la música y el arte son formas de reconstrucción colectiva.
Dirección artística: Carmen Larraz
Acompañamiento de dirección y documentación: Bertha Bermúdez.
Creación coreográfica: Carmen Larraz en colaboración con los bailarines.
Interpretación y creación: Alvaro Copado, Kenji Shinohé, Martín Los Arcos, Stefano Mattiello, Lorenzo Avolio, Polina Tiabut, y Carmen Larraz.
Creación e interpretación musical: Hilario Rodeiro.
Creación escénica: David Bernués con la Divulgación científica: Joaquín Sevilla.
Vestuario: Saioa Matxain.
Producción: Dinamo Danza.
La adolescencia robada es un proyecto de auto ficción biodramática y documental en el cual se propone hacer una revisión sobre mi propia historia para explicar el presente de mi propia comunidad y para entenderme a través de la representación de mi propia imagen insertada en un entendimiento universal de esa misma imagen. Estos son los cruces con los que yo pretendo trabajar dramatúrgicamente tanto en la palabra como en la escena y en el paisaje audiovisual generado gracias a un collage de imágenes que serán proyectadas. Imágenes que son memorias colectivas. Memorias que imprimieron y que siguen imprimiendo masculinidad y virilidad como lo hizo la historia del arte durante siglos. Y pasaron décadas y décadas, y pasaron siglos y siglos, y ese capital erótico persiste. Se perpetua.
Dentro de esas imágenes nosotros somos imágenes en sí mismas. Estamos llenos de imágenes y lo que queda finalmente de la historia es la imagen. La memoria de la historia es la misma imagen. Es lo que perdura. Entonces es una obra también en sí misma que denuncia la obligación de lo masculino por identificarse, por representarse y por interpretarse de una misma manera exigiendo constantemente a quienes no tengan esas características: que las tengan. Y a quienes no cumplan esos requisitos: que los cumplan. Y muchas veces esas personas que son exiliadas de esas características también son abusadas por estos sistemas o por quienes los dominan.
Concepción y creación: Malicho Vaca Valenzuela
Dramaturgia y colaboración artística: Ébana Garín Coronel
Producción: Ébana Garín, Luis Guenel, Roni Isola – Colectivo Cuerpo Sur
Coproducción: Maison de la Culture de Grenoble – Scène nationale // Zürcher Theater Spektakel.
¿Qué hay detrás de eso que estás viendo? ¿Qué fuerzas se ponen en tensión cuando miras algo? ¿Quién está organizando tu atención? ¿Estás viendo lo que realmente deseas ver? ¿La mirada está corporativizada? ¿Hay una corporación de la mirada?
Si alguien organiza nuestra mirada, ¿también organiza lo que sentimos y cómo sentirlo? ¿Te rebelarías ante un régimen de la mirada? ¿Tienes prácticas de desobediencia pensadas? ¿Compartirías esas prácticas con alguien?
¿Todas estas preguntas te resultan inofensivas?
Dirección: Brai Kobla
Escrita por: Brai Kobla
Dirección: Jorge Tesone
Fotografía y diseño gráfico: Víctor Medrano
Producción: Chamán Producciones
Espacio sonoro: Tata Laxague
Taller de creación con apertura final dirigido por Martín Flores Cárdenas
Un serie de encuentros que propone a sus participantes, explorar la dialéctica entre la creación y la destrucción.
“Esculpir puede ser un acto de destrucción, también. Golpear la piedra fue el primer diálogo entre la voluntad humana y la resistencia del universo.”
Dramaturgia y dirección: María Goiricelaya
Actriz: Gema Matarranz
Ayudante de dirección: Ane Picaza
Diseño y construcción de escenografía: Álvaro Gómez Candela y Giacomo Ciucci Gómez
Diseño de iluminación: Juan Felipe «Tomatierra»
Espacio sonoro: Ibon Aguirre
Música original: Ibon Belandia
Dirección de producción: Histrión Teatro
Distribución: Nines Carrascal y Rocio Pindado (Portal 71)
Comunicación y diseño gráfico: Divina Palabra
Fotografías: Palen
Técnicos en gira: Juan Felipe «Tomatierra» y Monza
Producción ejecutiva: Nines Carrascal y Sonia Espinosa
Colabora: Portal 71
Espacios en residencia: Azkuna Teatroa Bilbao; Centro Cultural Medina Elvira (Atarfe); Teatro Mira de Amezcua (Guadix); Centro Cultural Fernando de los Ríos (Albolote)
Agradecimientos: Fernando Pérez-Serrabona; “La Librería” de Cabañas de Polendos; Centro Cultural Pinillos de Polendos
Pol. industrial La Yasa S/N, Albelda de Iregua
Sábado 10 de octubre a las 13:30h
En 1965, Josefina Orlaineta, madre de Anacarsis Ramos, obtiene su primer trabajo en el estado de Campeche (México), donde nació. Tiene 5 años.
En las siguientes seis décadas, Josefina encadena más de cuarenta trabajos, entre México y España, y es testigo de la pobreza y los desastres ecológicos que perfilan Campeche como uno de los lugares más precarios de México. El petróleo fue una promesa de prosperidad para el pueblo mexicano por parte de su gobierno, escribe Anacarsis, “pero terminó siendo una industria depredadora que se apropió de la costa”.
Junto a su marido y tras pasar dos décadas en España, Josefina vuelve a Campeche y levantan negocios que puedan poner remedio a aquella escasez. Negocios que acaban reconvertidos en espacios comunales donde se encuentran los vecinos del barrio y, en la obra, funcionan como esqueleto de la narrativa propuesta por Anacarsis Ramos.
A partir de conversaciones entre Anacarsis y Josefina, y tras un proceso de exploración escénica y documentación, nace Mi madre y el dinero.
Dirección y diseño de espacio: Anacarsis Ramos
Texto: Anacarsis Ramos a partir de los relatos de Josefina Orlaineta
Elenco: Josefina Orlaineta y Anacarsis Ramos
Dramaturgista: Santiago Villalpando
Diseño de iluminación, sonido y vídeo: Karla Sánchez “Kiwi”
Producción ejecutiva y realización de escenografía y utilería: Fausto Castaño
Asistentes de dirección: Sofía León y Valentina Girón
Asistente de grabación: Emiliano Sandoval
Pintura escénica: Josefina Orlaineta
Creación: Pornotráfico
Asesoría de investigación: Babis Zozaya
Tour management y distribución: Roni Isola
Coproductores: Festival Internacional del Centro Histórico de Campeche, Instituto de Cultura y Artes del Estado de Campeche / FULGOR – Encuentro Escénico con los Estados 2024, con curaduría de Mariana Arteaga y Mariana Gándara
Con el apoyo de: PAC (Patronato de Arte Contemporáneo)
Irantí es un viaje por el origen de la música afroamericana. Un trayecto que empieza en los barcos esclavistas portugueses en África en el siglo XV, hasta llegar al nacimiento de los grandes géneros de música electrónica a finales del siglo XX.
Es un espectáculo que une el monólogo de divulgación, la escenografía teatral y la música en directo para contar una verdad profunda y necesaria.
A través de este viaje en el tiempo recorremos:
– El duro camino de la diáspora africana hacia América.
– El horror dentro de un barco esclavista.
– La emancipación de comunidades de esclavos como foco de origen de la música afroamericana.
– Los grandes géneros de música afrocaribeña interpretados en directo.
– El nacimiento de los grandes géneros de la música negra desde los cantos de trabajo: blues, funk, rap, disco, house y techno.
Irantí nos recuerda que esa música poderosa y universal lleva en su pulso el sufrimiento de millones de personas y que su eco resuena en nosotros hoy. Este espectáculo, donde palabra y música se entrelazan, invita a sentir, entender y honrar su memoria.
Dirección: El Patio teatro.
Texto: Rodrigo Fernández y El Patio teatro. Guión construído a partir de trabajo de investigación documental: bibliografía especializada en historia colonial americana y géneros musicales afroamericanos.
Interpretación: Rodrigo Fernández.
¿Cómo acaba una bailarina cumpliendo treinta años de cárcel por acto terrorista?
Pili solo quería bailar, pero jarta de batallar en la precariedad de los que luchan por vivir del arte, un día llega a su límite y decide hacer algo.
Su rabia no va en contra, solamente, de la administración pública y sus trabas burocráticas. No va en contra de su padre castrador, ni tampoco es una venganza hacia sus profesores de baile.
Es un acto kamikaze de amor por parte de alguien que siempre ha carecido de él.
Autoría: Sergio Martínez Vila a partir de la novela homónima de Greta García
Dirección: Alberto Velasco
Interpretación: Olalla Hernández
Vestuario: Noelia Lebrato
Asesoramiento coreográfico: Olga Magaña
Dirección de producción: Inmaculada Almagro
Producción ejecutiva: Olalla Hernández
Iluminación: Manuel Tejera y Alberto Velasco
Diseño de Escenografía: Alberto Velasco
Diseño de Sonido: Carlos Gorbe
Vestuario: Noelia Lebrato
Coreografía: Alberto Velasco
Colaboración en coreografía: Olga Magaña
Comunicación: Josi Cortés
Taller de escenografía: Jesús Hernández
Fotografía y video promocional: Dani Jaén
Diseño gráfico: Geraldine Leloutre
Voces en Off: Esperanza Guardado, Elena Martínez y Carlos Gorbe
PROGRESO es un espectáculo sobre el plástico y la especie humana.
Es un reportaje grabado a tiempo real donde tres documentalistas interpretan una colección de objetos inanimados. Es una sociedad creada a nuestra imagen y semejanza, alojada en una planta sintética de un set de grabación.
Es el colapso de un planeta.
Es una sinopsis falsa que dice algo así: Bienvenue, merci, mon ami.
Es es comienzo o el final de algo.
Es una pieza performativa de Teatro Documento dirigida a Homo Sapiens que sepan leer. Es un espectáculo que dice
que el plástico es malo, pero que la gente es buena.
Es una sinopsis alternativa que dice algo así:
‘Un iceberg de la Antártida pierde su último trozo de hielo desapareciendo para siempre. En Groenlandia se ve volar una gaviota, un ave jamás vista antes. En el Nepal, una multinacional de comida rápida lanza 10.000 panfletos sobre el Himalaya. Una botella de plástico llega a la playa de una isla del mar de las Molucas. Al otro lado del mundo, en las antípodas, una tribu desconocida comienza su éxodo. El progreso ha llegado.’
Dramaturgia y Dirección: Olatz Gorrotxategi.
Audiovisuales: Indi Costa.
Técnica e iluminación: Imanol García
Sonido: Alberto de la Hoz
Voces: Jaione Insausti, Jon Ander F. Larrucea, Natanael Gion, Leire Olaran, Jone García y Marta Álvarez.
Atrezzo: Sarai del Arco.
Prensa: Teresa Villaverde.
Diseño del cartel: Diego Saenz/Vudumedia.
Distribución: Solobe Art.
Gracias a nuestras amigas, porque solas
no podríamos 😉
C/Calvo Sotelo Nº11
Miércoles 01 de Octubre a las 12:00h
Los dramaturgos de Pepitas
Encuentro con dramaturgos editados por la Editorial Pepitas, sello independiente con sede en Logroño que desde el año 2000 mantiene un firme compromiso con la literatura crítica, el pensamiento libre y la dramaturgia contemporánea.
El encuentro tendrá un formato distendido, acompañado de vino y un pequeño picoteo, y girará en torno a los lenguajes contemporáneos de la escritura dramática. A través del diálogo con los autores, se abordarán cuestiones como los procesos creativos, la evolución de la dramaturgia actual, el papel del texto en la escena contemporánea o el lugar que ocupa el teatro en el contexto social y político actual.
El encuentro propone un espacio de reflexión y conversación en torno a la dramaturgia como herramienta viva para pensar el presente y repensar el lenguaje desde lo escénico.
C/Rey Pastor, Nº47
Miércoles 01 de Octubre a las 20:00h
Entrada libre hasta completar aforo, con inscripción previa
Nacho irrumpe manchado de sangre en la casa de su hermana Irene y de su marido Pablo, que celebraban a solas con una cena tranquila el embarazo de Irene de su segundo hijo.
La historia de por qué Nacho está cubierto de sangre es lo suficientemente plausible: se ha encontrado a un joven tirado en la calle, a un chaval en realidad, herido; le habían atacado, había sangre por todas partes y Nacho ha intentado ayudarlo.
Naturalmente, Pablo quiere llamar a la policía y a una ambulancia, pero Irene lo detiene. Hay un problema. Nacho tiene antecedentes penales y es un perfil sospechoso. ¿Le creerá la policía? ¿Qué van a pensar de la historia de Nacho? ¿Y quién es este chaval, cómo sabemos que no estaba involucrado en algo peligroso?
Irene siente una lealtad feroz hacia su hermano: son los huérfanos del título que fueron rebotando de orfanato en casa de acogida. Y aunque ella ha encontrado una vía de escape en su familia y sus aspiraciones de clase media, Nacho, hipersensible y volátil, se siente abandonado a su suerte. Mientras Pablo, que desde que fue víctima de una agresión a manos de unos jóvenes del barrio vive con miedo, solo quiere ayudar, hacer lo correcto…
Huérfanos plantea preguntas incómodas sobre nuestra predisposición a creer en las historias que nos cuentan y en quienes nos las cuentan, y sobre nuestra capacidad de creer y ayudar a «los otros». A su vez, Dennis Kelly nos muestra un vívido reflejo de nuestro malestar actual: cómo nos cambia una cultura del miedo que nos cuenta insistentemente que «los monstruos» acechan en cada rincón.
Texto: Dennis Kelly
Producción: [los números imaginarios], Caterina Producciones y Esto Podría Ser
Intérpretes: Nacho Sánchez, Irene Serrano y Pablo Gómez-Pando
Dirección: Luis Sorolla
Espacio y Vestuario: Paola de Diego (AAPEE)
Iluminación: Gabriel Píñero
Espacio sonoro: Daniel Jumillas
Distribución: Caterina Muñoz Luceñoe, Alba Pérez
ABONOS LIMITADOS - OFERTA DISPONIBLE HASTA EL 18 DE SEPTIEMBRE
Incluye entrada para los siguientes espectáculos:
Incluye entrada para los siguientes espectáculos:
Incluye entrada para los siguientes espectáculos:
